SISTER ACT Recensione

e con

SISTER ACT

musiche ALAN MENKEN

liriche GLENN SLATER

testo CHERI STEINKELLNER e BILL STEINKELLNER

dialoghi aggiunti DOUGLAS CARTER BEANE

basato sul film Touchstone Picture “Sister Act”scritto da Joseph Howard

traduzione e liriche italiane FRANCO TRAVAGLIO

direzione musicale STEFANO BRONDI

coreografie RITA PIVANO

scene GABRIELE MORESCHI

costumi CARLA ACCORAMBONI

disegno luci VALERIO TIBERI

disegno suono EMANUELE CARLUCCI

regiaSAVERIO MARCONI

SPECIAL GUEST SUOR CRISTINA

Nel ruolo di Suor Maria Roberta

Solo degli spettacoli migliori si fanno le riprese, SISTER ACT torna al Teatro Brancaccio dal 1 al 12 febbraio 2017. 

Un vero inno alla vita, uno spettacolo divertente, dissacrante ma solo in parte, con un messaggio assolutamente solare e comprensivo, che potrebbe rappresentare tranquillamente il compendio di tanti secoli di diatribe e contrasti tra il volere divino e il volere umano. La storia è molto conosciuta Deloris una cantante svitata ma ambiziosa assiste ad un assassinio ne è testimone oculare, per evitarle una morte certa viene chiusa dentro un convento, dove la sua joie de vivre se all'inizio si andrà a scontrare con le ferree regole del convento, a poco a poco i due piani:quello spirituale e quello materiale si andranno a fondere tra di loro per creare un piano unico in cui non c'è distanza tra Dio e l'uomo, ma c'è compenetrazione. SISTER ACT è , a oggi, il musical più bello che ho visto, quello più completo e travolgente, e non fine a se stesso come storia, quindi non solo divertente, colorato, esilarante, ma anche profondamente educativo, aperto semplice nel suo messaggio di importanza basilare per tutti. Trascinante per l'energia che  arriva dal palco, con un buon'umore che si spande per la platea , e arriva fino su in galleria.

Miriam Comito

Unico, travolgente… DIVINO! Dopo il grande successo  già riscontrato al Brancaccio di Roma nella scorsa stagione, dopo aver conquistato ben 2 premi agli Italian Musical Awards 2016: come Miglior Regia (Saverio Marconi) e per la Miglior Attrice non protagonista (Francesca Taverni nel ruolo della Madre Superiora)e il Premio Persefone 2016alla protagonista spagnola Belia Martin.-torna al Brancaccioil Musicaltratto dall’omonimo film del ’92 che consacrò Whoopi Goldberg nell’indimenticabile ruolo di Deloris, “una svitata in abito da suora”.

Venticinquegli splendidi brani musicali scritti dal premio Oscar Alan Menken, (mitico compositore statunitense autore delle più celebri colonne sonore Disney come “La Bella e la Bestia”, “La Sirenetta”, “Aladdin” e altri show tra cui“La Piccola Bottega degli Orrori” e “Newsies”),che spaziano dalle atmosfere soul, funky e disco anni ’70, alle ballate pop in puro stile Broadway, in cui si innestano cori Gospel e armonie polifoniche.

Il testo e le liriche tradotti da Franco Travagliocoinvolgono il pubblico in una storia dinamica, incalzante e divertente tra gangster e novizie, inseguimenti, colpi di scena, rosari, paillettes con un finale davvero elettrizzante.

Lo spettacolo è diretto daSaverio Marconi, coadiuvato da un team artistico composto da Stefano Brondi (direttore musicale), Rita Pivano (coreografa), Gabriele Moreschi (scenografo), Carlo Buttò (direttore di produzione), Carla Accoramboni(costumista), Valerio Tiberi (disegno luci) e Emanuele Carlucci (disegno suono).

Il ruolo di Deloris (ovvero "Suor Maria Claretta"), il ciclone che travolgerà la tranquilla vita del convento, è affidato alla madrilenaBelia Martin, già applauditissima protagonista dell’edizione spagnola del musical.

“L'ho vista in scena a Barcellona– dice Alessandro Longobardi –mi ha stregato conla sua interpretazione e la sua voce nera, calda, in stile gospel. Ha una grande energia, è una ragazza semplice ma di enorme talento; l’ho incontrata fuori dai camerini e invitata a partecipare alle audizioni a Roma, dove Saverio Marconi senza esitazione ha detto: 'Belìa è perfetta nel ruolo, è lei la nostra Deloris'”.

Il noto attoree conduttore televisivoPino Strabiolidopo il successo ottenuto con i programmi “E lasciatemi divertire” su Rai 3 con Paolo Poli, “Colpo di scena”, il “Premio Strega 2016”e i gli spettacoli teatrali (“WikiPiera” con Piera Degli Esposti e “L’abito sposa”), per la prima volta affronta il musical nel ruolo di Monsignor O’Hara.

E tra gli artisti c’è anche una special guest. Dopo il grande successo a The Voice Italia e del primo disco “Sister Cristina” prodotto da Universal, Suor Cristina abbraccia l’esperienza del grande musical: in SISTER ACT sarà impegnata nel ruolo della novizia Suor Maria Roberta.

“La mia passione per il canto e la musica credo sia nata proprio con me, una passione cresciuta durante l’adolescenza: sognavo di diventare una performer un giorno. La mia strada è stata un’altra, ma il Signore ti dà cento volte tanto… ed eccomi qua, un sogno che si realizza insieme al meraviglioso cast di SISTER ACT!”.

Insieme a loro, Jacqueline Maria Ferryperformer, attrice, cantante, musicista, di origine italo-francese inizia giovanissima a lavorare in Italia e all'estero spaziando tra musical, tv, cinema, colonne sonore e musica live come interprete e cantautr ice. “Festival di Sanremo”, “West Side Story”, “The Full Monty”, “Cats”, “W Zorro”, “Aggiungi un Posto a Tavola”nel ruolo della Madre Superiora;Felice Casciano (“Pinocchio”, “Frankenstein Junior”, “La piccola bottega degli orrori”, “A qualcuno piace caldo”) nel ruolo di Curtis il gangster con la sua voce calda, profonda in puro stile Barry White enuovi talenti come l’ esordienteMarco Trespioliche ha conquistato con la sua voce tenorileil ruolo del Commissario Eddie.

SISTER ACT - Il Musical

APRE IL CUORE ALLE TUE EMOZIONI

CAST

BELIA MARTINnel ruolo diDeloris Van Cartier

e con la partecipazione di

PINO STRABIOLInel ruolo di Monsignor O’Hara

*SPECIAL GUEST*

SUOR CRISTINA nel ruolo di Suor Maria Roberta

JACQUELINE MARIA FERRYnel ruolo della Madre Superiora

Felice Casciano Curtis

Marco Trespioli Eddie

Claudia Campolongo Suor Maria Lazzara

Manuela Tasciotti Suor Maria Patrizia

Silvano Torrieri Joey

Vincenzo Leone De Niro

Tiziano CaputoTJ

TEATRO BRANCACCIO di Roma

Dal 01 al 12 Febbraio 2017

Dal martedì al venerdì ore 21, sabato ore 17 e 21, domenica ore 17

Prezzi da 25 a 56 euro

INTERPRETI PRINCIPALI

BELIA MARTIN è DELORIS VAN CARTIER

Nata a Madrid da madre cubana, è stata protagonista della versione spagnola del musical Sister Act. La sua formazione musicale è ricca e varia. Comincia infatti studiando canto al Conservatorio (con Maite Delgado e in masterclass con il famoso tenore Alfredo Kraus), pianoforte e chitarra. Prosegue studiando tecnica vocale e interpretazione con Virginia Prieto, Sara Matarranz e Ana Castillo. Parallelamente, studia danza e recitazione. Fa parte della corale polifonica della Paz, del coro Vocherini e collabora con cori gospel e gruppi musicali. Tra le altre esperienze internazionali, l’Afrodisian Orchestra, con il compositore e direttore Miguel Blanco. È nello spettacolo musicale "Forever king of pop" (omaggio a a Michael Jackson, con il riconoscimento ufficiale della famiglia Jackson). Partecipa a tour in Francia, Polonia, Repubblica Ceca, Svizzera, Porto Rico e al festival internazionale Starlight Festival nel 2013. È inoltre vocalist del gruppo funky Nazzan grein. Fa parte della corale polifonica della Paz e del coro Vocherini e collabora con cori gospel e gruppi musicali. Attualmente è direttore musicale di un nuovo progetto sulla vita di Michael Jackson.

PINO STRABIOLI è MONSIGNOR O’HARA

Attore, autore, conduttore televisivo, si divide fra piccolo schermo e teatro, ha lavorato fra gli altri con Paolo Poli, Franca Valeri, Gabriella Ferri, Piera Degli Esposti,Paolo Villaggio, Marina Confalone, Roberto Herlitzka, Sandra Milo, Anna Mazzamauro, Mario Monicelli, Pupi Avati, Citto Maselli, Patrick Rossi Gastaldi, Ugo Gregoretti, Italo Dall’Orto, Marco Parodi, Maurizio Panici. Fra i programmi televisivi T’amo TV con Fabio Fazio (TMC), Souvenir d’Italie e Senza fissa dimora (TMC), Uno Mattina (Rai Uno), Cominciamo Bene Estate (Rai Tre), That’s Italia (la7d), Apprescindere ed Elisir (Rai Tre).Per 10 stagioni ha condotto Cominciamo bene prima (striscia quotidiana dedicata al palcoscenico e ai suoi protagonisti), sempre a Rai Tre è autore e conduttore di Il Cartellone di Palco e Retropalco e di Colpo di scena (otto serate con Dario Fo, Paolo Poli, Franca Valeri, Giorgio Albertazzi, Valentina Cortese, Piera Degli Esposti, Carlo Giuffrè , Gigi Proietti). Ha collaborato al quotidiano l’Unita’, curato il volume Gabriella Ferri Sempre (Iacobelli), con Paolo Poli firma il volume Sempre fiori mai un fioraio (Rizzoli 2013). Ha curato inoltre per due stagioni la programmazione della prosa di Palazzo Santa Chiara a Roma ed è direttore artistico del teatro comunale di Atri-Teramo. Da poco è andato in onda il programma E lasciatemi divertire, otto puntate condotte con Paolo Poli, sono appena terminate le repliche di Wikipiera, intervista-spettacolo con Piera Degli Esposti ed è attualmente impegnato con la commedia L’abito della sposa di Mario Gelardi, regia di Maurizio Panici.

SUOR CRISTINA è SUOR MARIA ROBERTA

Quando Suor Cristina si presenta per la prima volta all’edizione italiana di The Voice deve spiegare che non si è vestita da carnevale. “Sono una suora vera” dice ai coach disorientati. La cover di ‘No One’ di Alicia Keys, cantata da Cristina per le audizioni, emoziona e sbalordisce tutti i coach, una volta girata la sedia in risposta al brano. In abito, copricapo e crocefisso appeso al collo, l’occhialuta 25enne siciliana si scatena ballando e cantando il brano R&B in modo trascinante. Il pubblico in studio impazzisce. E anche a casa. Nel giro di una settimana il filmato della sua interpretazione del brano della Keys – su Twitter la cantante americana lo definisce “pura energia” – si diffonde in maniera esponenziale, ottenendo più di 30m di visualizzazioni su YouTube. Nelle successive puntate Cristina canta con Ricky Martin e Kylie Minogue. Due mesi dopo quell’indimenticabile audizione, la sua performance di “Flashdance………What a Feeling” nel finale dello show le vale il 62% dei voti.Cristina ammette che è una storia straordinaria. Ma non è sempre andato tutto liscio. Dice che il bisogno, l’impulso di fare musica, di cantare è da sempre dentro di lei sin da bambina. Ma conciliarlo con la sua vocazione religiosa ha causato momenti di conflitto e crisi che solo recentemente si sono risolti. “Cantare per me è sinonimo di fede,” dice, seduta nel convento delle suore Orsoline a Milano, dove è novizia e canta nel coro della chiesa. “Ma c’è stato un momento, quando ho iniziato la mia vita religiosa, in cui ho dovuto pensarci seriamente. Ho scelto di unirmi a Dio e mettere da parte la musica. Mi sono dovuta chiedere: possono la musica e la fede convivere? Questa è la domanda cruciale. Non è stato facile. La mia famiglia non aveva quel tipo di apertura. Per loro ero tutto casa e chiesa. Ogni cosa al suo posto. In un certo senso, ho dovuto purificare la parte della mia vita dedicata al canto e unirla alle mie scelte religiose. Ora sento che posso usare la mia voce per esprimere esattamente questo: il mio amore per la vita, il mio messaggio di gioia. Ma è stato un percorso lungo.”Per Cristina il conflitto ha inizio quando in Sicilia da studentessa prende parte a un musical organizzato per celebrare la vita di Suor Rosa Roccuzzo, fondatrice dell’Ordine delle Orsoline della Sacra Famiglia. A quel punto, ricorda ridendo “cantavo con una blues band ed ero arrabbiata con tutto e con tutti, con la chiesa e le regole che pensavo mi stesse imponendo. Era la classica ribellione da adolescenti. Mi chiedevo sempre: ‘Perché devo andare in chiesa?’” La madre di Cristina incontra le suore che stanno organizzando le audizioni per il musical e, al suo ritorno a casa, invita la figlia a parteciparvi. La reazione di Cristina è un secco rifiuto. Ma l’idea dell’invito continua a tormentarla. “E poi ho scoperto,” continua “che l’ex attrice Claudia Koll aveva cambiato la sua vita e abbracciato la fede e ho pensato: ‘se partecipo potrò incontrare gente come lei; qualcuno mi noterà – e poi potrò andare a Roma e iniziare la mia carriera musicale.’ Alla fine ho avuto la parte senza nemmeno fare l’audizione. Il mio ruolo era la giovane Rosa e mi ha fatto riflettere e pensare: ‘Chi sono io?’ Ero arrabbiata con Dio anche per questo. Ma quella parte e le domande che mi sono posta hanno cambiato la mia vita. E poi, improvvisamente ho pensato: “So cosa vuole Dio da me.”

Dopo aver studiato canto e ballo all’accademia di Roma dove Claudia Koll è direttrice, Cristina entra nel noviziato delle Orsoline e va in Brasile, dove passa due anni a lavorare con i bambini poveri. “Il Brasile ha fatto scoppiare di nuovo in me la musica,” dice, “Non riuscivo più a trattenerla. Cantavo per la gente del posto e tutt’a un tratto ho capito che musica e fede possono coesistere senza conflitti. In Nord e Sud America, c’è una grande tradizione di band cristiane, e unire musica e fede è una cosa normale. Non è così in Italia. Ed è forse questo il mio ruolo, la mia missione: cambiare le cose. Perché l’arte arricchisce la fede; non le toglie nulla.”“Il fatto che la gente potrebbe non comprendere quello che sto facendo, o il fatto che lo sto facendo, ha molto a che fare con il passato. La chiesa ha una struttura molto rigida. Ma il messaggio di The Voice ha girato il mondo e credo che questo sia la prova che la gente ha bisogno di questo tipo di messaggio, che va oltre quelle strutture e quelle barriere. Inoltre, l’attuale Papa vuole che la Chiesa sia un esempio positivo per quanto riguarda i giovani, e trasmetta un buon messaggio perché la vita è piena di cattivi esempi. Voglio trasmettere un bel messaggio. E’ indubbiamente insolito vedere una suora fare ciò e a volte tutto mi sembra in salita. Si, c’è qualcosa che non va in me se non penso alla musica. Ma è anche una cura. Mi lega a Dio. La musica mi ha scelta e io ho scelto la musica. Cos’è venuto prima? E’ come Dio. E’ Lui che sceglie te, o tu Lui? Niente è lasciato al caso. Sono nata con un dono ed è tutto per me. Mi sento di doverlo condividere”.Quando ci incontriamo, Cristina mi fa sentire il suo nuovo album e ride quando faccio un commento su come batte furiosamente il piede durante i brani più rock – compreso le cover ‘Price Tag’, ‘Try’ di Pink e ‘No One’. Sarà sempre una rocker. A passare del tempo con lei, ci si rende conto che questo dualismo non è contradditorio, ma complementare. Dentro di lei coesistono profonda fede e passione per la musica. L’album si contraddistingue per il dualismo tra i brani più veloci e quelli con passaggi più calmi e contemplativi. Ad esempio, c’è la meravigliosa empatia della versione di ‘Fix You’ dei Coldplay, in cui la sua voce circondata da un coro rinforza il messaggio di devozione del brano. Cristina dona una naturale comprensibilità a ‘Somewhere Only We Know’ dei Keane, e a ‘True Colors’ di Cyndi Lauper. E propone una versione molto personale di ‘Like A Virgin’ di Madonna. “Ho scelto brani basati sui testi e il loro significato. Alcuni mi sembrano molto cristiani, compresa ‘Like A Virgin’, che può sembrare per molti una scelta controversa, ma per me quel brano enfatizza la bellezza della trasformazione della vita. Volevo esprimere l’idea del tocco emozionale di Dio. Uscendo dal buio della mia crisi, Dio ha toccato la mia anima e mi ha ridato la dignità di essere Sua figlia. In ‘Somewhere Only We Know’ c’è una frase: “Sto invecchiando e ho bisogno di qualcuno di cui fidarmi’. Per me si tratta di trovare un nuovo luogo da dove ripartire”

JACQUELINE MARIA FERRY è la MADRE SUPERIORA

Studia  canto lirico con la soprano storica di Ennio Morricone, Edda Dell'Orso e i coaches internazionali Elisabeth Aubry, Mary Setrakian, Elisa Turlà e Albin Konopka.

Studia recitazione con il Maestro Giorgio Albertazzi, all' Actor Studio Internationale e attraverso diversi stages di cinema e teatro.

Studia danza classica, moderna, tip tap con diversi Maestri italiani ed esteri.Jacqueline inizia a calgare le scene già adolescente debuttando nel musical e nella live music.Andrea Bocelli e Michele Torpedine producono per la Universal Music un suo album che la vede protagonista ed autrice a Sanremo nel più prestigioso festival della musica italiana.Dopo Elisa diventa la voce dei  Solis String Quartet.

E' interprete per la Sony Music del brano Changing nella colonna sonora composta dal M° Andrea Guerra per il film PASSATO PROSSIMO con la regia di Mariasole Tognazzi ed è la voce cantante, insieme al cantautore The Niro per la co- composizione di Michele Braga, nel film  di Lillo e Greg  un natale stupefacente, regia di Volfango De Biasi per la FILMAURO. E' interprete e co-autrice, insieme a Michele Braga, del brano “Louvre” nella colonna sonora del film PIU' BUIO DI MEZZANOTTE per la regia di Sebastiano Riso, selezione Cannes Festival del Cinema 2014.

Come attrice e performer Jacqueline è diretta in ruoli da protagonista protagonista da registi come Giorgio Albertazzi, Gigi Proietti, Saverio Marconi, Antonio Tavassi e Fabrizio Angelini  in diverse produzioni tra le quali West Side Story ,The Full Monty e Le Eroine Di Puccini.

In CATS  di Andrew Lloyd Webber  interpreta il ruolo di soprano drammatico in Grisabella, in oltre è la Consolazione ufficiale nella 6^ edizione della commedia di Garinei e Giovannini Aggiungi Un Posto A Tavola.

In FEDERICO II Opera Lirica e moderna composta e diretta dal M° Antonio Maiello, prodotta da David Zard e dal Teatro Regio di Torino ricopre il ruolo di Ada, soprano drammatico, al quale il pubblico e la critica hanno dedicato maggiori tributi.

In Francia Jacqueline è lead performer nello spettacolo Best Of Comedie Musical  al teatro casinò Barrière di Lille e tiene diversi concerti a Parigi.

Per il cinema prende parte alla commedia di Paolo Ruffini Tutto Molto Bello e per la televisione è protagonista di puntata in REX 5^ edizione e Tutta La Musica Del Cuorefiction Rai.italo- francese.  

KAFKA IL DIGIUNATORE Recensione

TEATRO DEI CONCIATORI

C.U.T. – Contemporary Urban Theatre - 100% TAGLIO CONTEMPORANEO

31 gennaio | 12 febbraio 2017

KAFKA IL DIGIUNATORE

Di Luca De Bei da Franz Kafka

Diretto ed interpretato da

LUCA DE BEI

Spettacolo davvero toccante quello in scena al Teatro dei Conciatori dal 31 gennaio al 12 febbraio 2017. Luca De Bei, decide di portare in scena Franz Kafka, e lo fa presentando un monologo diviso in due parti, decisione chiaramente dovuta ad un approfondito studio dello scrittore ceco di lingua tedesca. Nella prima parte ci  troviamo nel sanatorio di Kierling siamo nel 1924 anno della morte fisica di Kafka. De Bei ci porta all'interno dello scrittore, e ci fa toccare con mano le corde più intime del suo animo, quando ormai rassegnato ad una fine prossima, fa un excursus delle parti salienti della sua vita. Il rapporto conflittuale con un padre così diverso da lui, che lo ha segnato a vita, il senso di colpa che gli ha instillato quel senso di estraneità e alienazione che pervaderanno tutte le opere kafkiane, tanto che l'aggettivo stesso assumerà un significato proprio. Il rapporto di incomprensione con la città di Praga, il non sentirsi un suo figlio, ma cercare di scappare altrove, nella città seppur ricostruita Kafka sentiva incessante la presenza della città vecchia, lui così attratto dalle novità come il cinema e con un senso di repulsione non tanto per la purezza delle origini della religione ebraica, alla quale apparteneva per famiglia , ma con una repulsione per le tradizioni portati avanti senza una ragione, come se nel sottosuolo ci fosse un forza che invece di far spiccare il volo ci fosse una forza che tendesse verso l'inghiottimento. Il senso di alienazione per tutto ciò che non capiva e a cui si sentiva estraneo, tutto questo Franz Kafka l'ha messo nelle sue opere, e De Bei riesce perfettamente a rendergli merito sul palcoscenico, grazie sia ad una scelta accurata del testo, sia ad una recitazione completa che non risparmia nessuna emozione. La seconda parte è dedicata al racconto "Il digiunatore" uno dei pochi racconti che lo scrittore boemo voleva fosse conservato dopo la sua morte, probabilmente lo considerava un testamento spirituale, in cui metteva a nudo la sua anima attraverso le vicende descritte. Uno spettacolo veramente bello, per chi, conosce e ama Kafka. Per quei pochi che ancora non lo conoscono, questo spettacolo costituisce un'apertura, una porta spalancata sul mondo kafkiano.

Miriam Comito

Al Teatro dei Conciatori, dal 31 gennaio al 12 febbraio Luca De Bei proporrà in prima nazionale il suo nuovo lavoro tratto da Franz Kafka: KAFKA IL DIGIUNATORE, diretto ed interpretato dallo stesso Luca De Bei

1924: nel sanatorio di Kierling, non lontano da Vienna, Kafka, ridotto a un mucchietto di ossa e assistito dalla compagna Dora, si illude forse di poter lottare contro la tubercolosi di cui è malato da anni e riacquistare un po’ di forze. Ha con sé le bozze, da correggere e mandare all’editore, del suo ultimo racconto “Il digiunatore” e proprio questo racconto è uno dei pochissimi scritti che, nel suo testamento,  ha chiesto all’amico Max Brod di non distruggere.  Qualcosa di profondo lo lega infatti al personaggio del digiunatore di professione che, nella sua gabbia e davanti agli spettatori, resta aggrappato con caparbietà al suo dimagrire fino ai limiti dell’esistere, fino al raggiungimento del sottile confine tra la vita e la morte. Il protagonista del racconto sa bene però che i tempi cambiano, che il pubblico desidera spettacoli sempre più nuovi e avvincenti e che il suo mestiere è destinato all’oblìo. Forse è per questo che Franz Kafka, che si sente così marginale alla vita, così estraneo al mondo e persino a se stesso, sente profondamente la similitudine con questo “fenomeno da baraccone” scritturato da un circo ma diverso e distante da tutto ciò che lo circonda.

Intervista a Luca De Bei

D:  Come mai uno spettacolo su Kafka?

R:  Amo da sempre questo autore che, a volte e a torto, è giudicato un autore “difficile” e “pesante”. In realtà i suoi testi sono pervasi da molta ironia e da una forte teatralità. La sua modernità  è indiscutibile, visto che pochi come lui sono stati capaci di scendere negli abissi dell’animo umano e al contempo di inquadrare l’umana esistenza in un contesto surreale e spersonalizzante. Una condizione, questa, che appartiene fortemente all’uomo contemporaneo. Non per niente Kafka è considerato uno di quegli scrittori che più di altri ha saputo guardare lontano e analizzare e anticipare le contraddizioni e l’angoscia dell’uomo di oggi.

D:  Come mai proprio “Un digiunatore”, uno dei suoi racconti meno conosciuti?

R:  “Un digiunatore” è uno degli ultimi racconti scritti da Kafka e proprio pochi giorni prima di morire ne stava correggendo le bozze per un’edizione. Nella famosa lettera all’amico Max Brod, quella in cui chiede di distruggere quasi tutto ciò che ha scritto, tra i pochissimi testi che sceglie di salvare c’è proprio “Un Digiunatore”, segno che Kafka lo riteneva uno dei suoi lavori migliori, o comunque – lui sempre così esigente con se stesso e con la propria scrittura - qualcosa che egli giudicava compiuto. In effetti “Un digiunatore” è un racconto che sfiora la perfezione. Nel personaggio di un digiunatore di professione, di quelli che una volta erano esibiti come fenomeni da baraccone, c’è tutta la poesia, la struggente condizione umana di chi si sente diverso, lontano, incompreso; dell’artista che insegue caparbiamente la propria arte, a dispetto del favore o meno del pubblico.

D: Il digiunatore come un artista, dunque?

R:  Sì, in questo caso il digiunatore sente di avere un ruolo importante, di poter, attraverso il suo digiuno, essere testimone di una capacità umana quasi sovrannaturale. E’ a suo modo un funambolo, un indagatore dei limiti umani, qualcuno - oggi diremmo un performer – che sceglie di fare della sua vita un’opera d’arte.

D:  Cosa ha a che fare tutto questo con il teatro?

R:  Beh, oggi come oggi il teatro sta vivendo un momento difficilissimo, che assomiglia incredibilmente e tristemente al momento che, nel racconto, vive lo spettacolo del digiuno inteso come esibizione pubblica. Il digiunatore sente che i gusti del pubblico stanno cambiando, che la gente ricerca emozioni e divertimenti sempre nuovi, sempre più coinvolgenti, e capisce che il suo mestiere rischia di cadere nell’oblìo e scomparire.

D:  Anche il Teatro è dunque destinato a sparire?

R:  Non dico questo, ma di certo il teatro è un’esperienza che non può prescindere dalla presenza “dal vivo”, del rapporto unico spettatore-attore, del “qui e ora”, e dell’unicità dell’esperienza E’  insomma uno spettacolo che chiede un’attenzione, un coinvolgimento particolare, diverso dalla spersonalizzante presenza di uno schermo televisivo, tanto per fare un esempio. Il Teatro è un rapporto 1:1, è senza tempo, e il rischio che venga spazzato via dalla standardizzazione, dalla serialità, dalla ricerca di esperienze sempre più virtuali e sempre meno reali non è da sottovalutare. Ma è anche vero che il teatro ha dalla sua una capacità unica di coinvolgimento, che difficilmente può essere sostituita e che probabilmente lo preserverà dallo scomparire.

D:  Nello spettacolo si parla solo del digiunatore del racconto?

R:  No, lo spettacolo mette in scena anche Kafka stesso, e ne segue le ultime settimane di vita (quando si trovava nel sanatorio presso Vienna, dove si spense nel giugno 1924), e poi torna indietro nel tempo, attraverso i suoi ricordi. Si affrontano così temi come il ruolo della scrittura, la sua amata-odiata Praga, il rapporto conflittuale con il padre e il rapporto con Dora Diamant, la sua ultima compagna. Ma lo spettacolo affronta anche tematiche inusuali legate a Kafka come per esempio l’attrazione che egli aveva per il cinema.

D:  Kafka andava al cinema, dunque?

R:  Certo, sono giunte fino a noi alcune annotazioni a questo proposito. Kafka aveva un atteggiamento inizialmente diffidente verso la settima arte, ma poi, quasi suo malgrado, ne fu conquistato. Sappiamo persino quali furono i film che gli piacquero di più e di cui parlava volentieri.

D:  Dopo “Il Grande Mago”, il testo di Vittorio Moroni in cui hai interpretato un uomo di oggi che decide di cambiare sesso con tutte le problematiche legate alla paternità e al rapporto con la sua donna, ora ti cimenti in un personaggio “antico” come Kafka. Come mai?

R:  Perché Kafka era un’anima profonda, contraddittoria. Un uomo sensibilissimo, certo tormentato, ma allo stesso tempo con un lato fanciullesco e persino giocoso. Un grande poeta, un intellettuale, ma anche un uomo che amava la semplicità, la sobrietà, che ricercava una purezza spirituale. Un uomo con una fantasia illimitata e un grande mondo interiore. Un uomo, insomma, che racchiude in sé tanti aspetti diversi. Per un attore dunque un personaggio che contiene davvero grandi possibilità interpretative.

TEATRO DEI CONCIATORI - Via dei conciatori, 5 – 00154 ROMA

Tel. 06.45448982 – 06.45470031 - info@teatrodeiconciatori.it - http://www.teatrodeiconciatori.it/
TIPOLOGIA BIGLIETTI: € 18,00  + tessera obbligatoria di 2 €
ORARIO SPETTACOLI: dal martedì al sabato ore 21,00 domenica ore 18,00
RIDUZIONI PER I LETTORI DI PERSINSALA, SALTINARIA, GUFETTO, MEDIA&SIPARIO
              

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SERIAL KILLER PER SIGNORA Recensione

Ente Teatro Cronaca Vesuvio Teatro

presenta

GIANLUCA GUIDI e GIAMPIERO INGRASSIA

SERIAL KILLER PER SIGNORA

musical di Douglas J. Cohen

da un racconto di William Goldman

traduzione e adattamento di Gianni Fenzi e Gianluca Guidi

traduzione delle liriche Giorgio Calabrese

con

TERESA FEDERICO e ALICE MISTRONI

scene e costumi ANNAMARIA MORELLI

regia

GIANLUCA GUIDI

produzione Ente Teatro Cronaca Vesuvioteatro

24 GENNAIO – 5 FEBBRAIO 2017

SERIAL KILLER PER SIGNORA in scena alla Sala Umberto dal 24 gennaio al 5 febbraio 2017, è uno spettacolo tratto dal testo di William Goldman "No way to treat a lady" del 1964. Nello spettacolo si confrontano e si fondono due personaggi apparentemente lontani e antitetici tra loro, ma con caratteristiche endogene assolutamente simili seppur declinate in maniera diversa. Da una parte troviamo Cristopher Kit Gill interpretato da Gianluca Guidi, un caso estremo di uomo irrealizzato perchè cresciuto all'ombra di una madre forse troppo presa dalla propria carriera, un uomo irrisolto, ma allo stesso tempo ambizioso che non trova altro modo per diventare famoso se non quello di uccidere donne. Dall'altra parte il detective Morris Bromo interpretato da Giampiero Ingrassia, un uomo tranquillo che si accontenta di ciò che la vita gli offre, vive ancora con sua madre con cui ha un rapporto si conflittuale, ma comunque regolato dalla convenienza. Lo spettacolo inizia, non a caso, con un radio giornale, perchè il punto base è proprio questo: la notorietà  a tutti i costi se on sei conosciuto non sei nessuno, e sono i giornali attraverso la  diffusione delle notizie a decretare il nostro valore o disvalore a seconda dei casi, la ricerca della notorietà può essere voluta  o può arrivare  malgrado noi, come ei rispettivi casi dei due protagonisti. Nemici, ma legati a doppio filo (telefonico) i due personaggi si confrontano, duellano fino ad arrivare al punto di non ritorno, che non è detto che sia un punto morto. William Goldman ha perso il padre suicida in età adolescenziale avvenimento che insieme alla sordità fisica della madre contribuì a far crescere il ragazzo in un contesto familiare stressante, e ce potrebbe aver sviluppato in lui un senso di straniamento, dovuta al'incomunicabilità nei confronti della figura materna. Vari sono gli argomenti che questo spettacolo tratta, in primis, come detto prima il rapporto con la notorietà, i rapporti familiari, in particolare quello madre/figlio. Il tutto sotto forma di musical, un musical noir, che va anche a toccare la sacralità dell'arte in particolare quella teatrale, ci sono infatti delle citazioni shakesperiane in particolare tratte dal Macbeth, e da Un tram chiamato desiderio di Tennessee Williams. Spettacolo piacevole, interessante, per la scelta del testo perfetto per due protagonisti con delle scenografie mobili che permettono un velocissimo spostamento degli attori. Un musical noir ma anche divertente, per quanto, in alcuni tratti, senza svelare troppo della trama ci si trova davvero immersi in un'atmosfera da thriller.

Miriam Comito

Cristopher Kit Gill e Morris Bromo sono i protagonisti di Serial Killer per signora.

Non si conoscono. Nessuno dei due sa dell’esistenza dell’altro.

Kit è un attore disoccupato, da poco orfano di una madre che ne ha marchiato a fuoco la vita. Una grande attrice, troppo impegnata per donare l’affetto e le attenzioni di cui un figlio avrebbe bisogno, della quale Kit tenta di emulare il successo in modo assai diverso.

Morris è un detective della polizia di New York, non più giovanissimo. Ha scelto di rimanere vivo e di non cercare clamori carrieristici. Nemmeno la vita privata brilla: vive ancora a casa con la madre, una signora ebrea invadente e possessiva.

Poi il primo omicidio: commesso da una psiche malata, tanto malata da telefonare al distretto di Polizia per lamentarsi della poca attenzione che la stampa gli ha dedicato.

Kit cerca Morris. Inizia un rapporto simbiotico tra i due e le loro rispettive “carriere”.

NOTE DI REGIA

“Un killer in città, può provocare il caos, e che detective loimpacchetterà” canta Morris ad un certo punto della commedia. Questa frase stigmatizza il percorso dei due protagonisti. Kit, uccidendo, ottiene la prima pagina del New York Times, secondo la sua mente malata raggiunge il successo. Morris ne diventa l’inseguitore e potenziale carnefice, dando lustro alla sua sbiadita carriera. Nutrendosi uno dell’altro, iniziano una gara senza esclusione di colpi che, inevitabilmente, avrà un solo vincitore.

Se volessimo addentrarci brevemente in una descrizione più profonda del loro rapporto, potremmo tranquillamente asserire che, sebbene in forma assai più lieve e edulcorata, sono l’uno il compendio dell’altro, quasi a voler risvegliare un saggio shakespeariano a firma di René Girard, intitolato Il Teatro dell’Invidia in cui si descrive quella spirale che, a partire dal desiderio dell’essere di un altro (il desiderio mimetico), innesca un conflitto la cui violenza è domata solo sporadicamente mediante il sacrificio di una vittima designata.

Si intrecciano le vite dei nostri due eroi e del loro “Amore” (come dice Shakespeare ne I Due Gentiluomini di Verona): l’uno per l’altro, con altri rapporti normali e protagonisti di vite terrene: due madri, tre vittime ed una affascinante giovane donna dell’Upper Class newyorkese, che contribuirà non poco a mettere confusione nella vita del povero Detective Morris Bromo.

Appunti di viaggio di Gianluca Guidi

Ciò che più atterrisce un regista è scrivere le note di regia o la presentazione di uno spettacolo che metterà in scena dopo 6 mesi. Spesso le buone idee arrivano poco prima della prova generale, e mentre sei felice di aver risolto uno o più problemi, ti dici: “bello, certo le note di regia di sei mesi fa… ah, se avessi potuto scriverle ora!” Nel caso di Serial Killer per Signora, però, – mi si consenta il paragone più che mai

azzeccato – si tratta di un ritorno sulla scena del delitto. Era il 2001 quando ho prodotto e diretto (senza interpretarlo) questo spettacolo per la prima volta. Fu un’esperienza felice: la mia prima regia. Piacque tantissimo, mettendo d’accordo critica e pubblico.

A distanza di quindici anni ne curo una seconda edizione, con delle differenze: non produco più, ne sono sempre il regista, interpreto uno dei due ruoli maschili ma spero nel medesimo esito. Ecco perché reputo più appropriato chiamare queste poche righe ”appunti di viaggio”.

Il testo di Douglas J. Cohen (autore sia delle musiche che della drammaturgia) mi è familiare da 15 anni, ed il mio viaggio teatrale dopo 3 lustri mi riporta qui. Il teatro, tendenzialmente, dovrebbe sempre raccontare una storia; a volte, purtroppo, la si sacrifica per qualche non meglio identificato onanismo di palcoscenico che non porta acqua al mulino di nessuno.

Dalla precedente edizione porto con me la brillante e colta versione delle liriche di un grande maestro della musica leggera italiana Giorgio Calabrese, la direzione musicale originale di Riccardo Biseo con materiale aggiunto e orchestrato da Ciro Caravano e parte della traduzione di allora a firma del mio grande amico Gianni Fenzi.

Dopo il successo di Taxi a due piazze, virare decisamente verso qualcosa di completamente diverso, è sembrata la scelta più naturale che Giampiero Ingrassia ed il sottoscritto avrebbero dovuto fare. Speriamo di incontrare di nuovo il favore di pubblico e critica che ci hanno accompagnati nel precedente spettacolo. E poi chissà, magari faremo un viaggio sulla luna, che di ‘sti tempi, anche per disintossicarsi un po’…

Con il medesimo affetto che dura da 30 anni di palcoscenico, ma (purtroppo) un po’ più disilluso.

Vostro

Gianluca Guidi

SALA UMBERTO

Via della Mercede, 50 Roma

Tel. 06 6794753

www.salaumberto.com

martedì, giovedì e venerdì ore 21, mercoledì ore 17, sabato ore 17 e 21, domenica ore 17

Prezzi da 32€ a 23€

LA DIVINA Recensione

 ALESSANDRO FULLIN LA DIVINA 

con

Alessandro Fullin Tiziana Catalano Sergio Cavallaro  Simone Faraon

Paolo Mazzini Mario Contenti  Ivan Fornaro 

   coreografie di Sergio Cavallaro 
costumi di Monica Cafiero

scritto e diretto da

ALESSANDRO FULLIN

produzione Nuove Forme
distribuzione Terry Chegia 

 LA DIVINA,  in scena alla Sala Umberto dal 12 al 22 gennaio 2017, è una rielaborazione intertestuale della Divina Commedia, fatta da Alessandro Fullin, prendendo spunto dall'annuncio al mondo da parte di Papà Ratzinger che il purgatorio non esiste. E Dante, allora cosa deve fare rimettere mano alla sua opera più famosa' Sembrerebbe proprio di si, eccolo ricalarsi nell'ade per porre rimedio alla sua "invenzione". Certo ne sono passati di anni dal 1304, e molte cose sono cambiate, il mondo è cambiato, e nella parodia anche i personaggi, sia nei loro modi di essere che nelle loro aspettative. Dante, si innamora di Caronte, Francesca da Rimini è scappata con Gabriele D'annunzio, quindi Paolo Malatesta è rimasto solo, ma niente paura Beatrice Portinari si è assolutamente stufata dell'amor cortese..., tutti troveranno una loro collocazione anche nel marasma gettato dall'inesistenza del purgatorio. Lo spettacolo, nel complesso, è piacevole, le scenografie di un'evidenza balzante agli occhi, in effetti in perfetto e deliberato stile kitch accolgono ballerini, pattinatori, attori, spesso impegnati in più ruoli.
Miriam Comito

Nel 2009 Papa Ratzinger annuncia al mondo che il Purgatorio, come luogo fisico, non esiste più.

Dante Alighieri, saputa la notizia, si precipita per la seconda volta nell’Oltretomba per dipanare la spinosa questione e riscrivere la Divina Commedia.

Ma dove mettere ora gli invidiosi? Gli iracondi? Gli accidiosi? Dubbi e tormenti attendono il Poeta, che inoltre scopre che l’amore per Beatrice, dopo sette secoli, si è un po’ appannato.

Tra demoni e cherubini, fiumi infernali e rinfrescanti panchine ecco una rilettura in chiave camp dell’immortale poema che getta nella stessa bolgia Paolo Malatesta con gli Abba, Farinata degli Uberti con Liz Taylor.

Dopo il successo di Piccole Gonne Alessandro Fullin, con gli attori di Nuove Forme, torna a teatro con una nuova parodia, condita come sempre da aforismi esilaranti e da pungenti ironie.

Guarda il video: https://www.youtube.com/watch?v=gyFu6JsfEOc&feature=youtu.be

Dal 12 al 22 gennaio 2017

SALA UMBERTO di Roma

Via della Mercede, 50 Roma

Tel. 06 6794753

www.salaumberto.com

giovedì e venerdì ore 21, sabato ore 17 e 21, domenica ore 17

Prezzi da 32€ a 23€